Incognita. Wszystko dzieje się równolegle do roz-woju systemu pracy reżysera, a zarazem jego artystycznej ewolucji. Kolejne spektakle artysty dają świadectwo nieustannego poszukiwania, wykraczania, kruszenia i jednoczesnego zlepiania skorupy. Ukazując ciało dążące do wyzwolenia, pokazuje jednocześnie jego zależność w istnieniu na scenie od odbiorcy i procesu konkretyzacji zachodzącego w jego głowie. Znamienne wydaje się użycie terminu „skamieniałość”, ponieważ w pewien naturalny sposób odsyła do material-ności, której nieodłącznym elementem są zarówno statyczność tożsama z kategorią śmierci, jak i przestrzenność konstytuująca sens rzeźby jako dzie-dziny sztuki. Dyskusji nie podlega fakt, iż Teatr S to scena artysty absolutnego, artysty – demiurga.
Plastyczne wykształcenie reżysera narzuca analizę teatralnej inspiracji poprzez sztukę wizu-alną, a zwłaszcza pracę, którą najprościej można określić rzeźbieniem w ludzkim ciele. Ukazywa-niem jego plastyczności lub wręcz przeciwnie, ograniczenia składającego się jedynie na znak, a raczej – jak pisze Lehmann – na „manifest cielesności”. Ruch ciała interpretowany w historii teatru jako rodzaj pisma gestycznego, w teatrze tworzonym przez Solarka, ogólniej w teatrze post-dramatycznym, stanowi wypadkową sił i bodźców generowanych przez zaistniałą sytuację
wido-wiska teatralnego, a więc wpływ przestrzeni scenicznej, rekwizytów teatralnych, a ostatecznie także zwrotnego sprzężenia z widzem obecnym w przestrzeni rozgrywającego się spektaklu.
Ludzkie ciało definiowane jest przede wszystkim poprzez kategorie właściwe sztuce rzeźbiarstwa, modelowania materii, która w przekonaniu odbiorcy niekoniecznie jest zupełnie martwa i bez-wolna. Bardzo trudne okazuje się pokazanie ludzkiego ciała pozbawionego znaczeń, prawdzi-wie „nagiego”, tak by nie rodziło skojarzeń typu:
stare, młode, piękne, okaleczone, zniekształcone.
Wydaje się jednak, że dla Teatru S ta niełatwa do zrealizowania idea stała się motorem wielu spek-takli. Ciało aktora stanowi przede wszystkim narzędzie, medium dialogu reżysera z widzem, jest białą kartą papieru pochłaniającą najsubtelniejsze sensy czy metafory. Bardzo trudno dostrzec w niej indywidualność samego aktora. Życie prywatne osłania bądź nawet wymazuje stosowana na sce-nie ciemność, jednolite kostiumy, synchroniczność ruchu. Twórczość Teatru S wymusza pewien określony typ odbioru, wymaga przygotowania bliskiego modlitwie czy kontemplacji, wyciszenia.
To typ teatru, w którym wyraźnie samo jego zaistnienie zależy od widza, od jego otwartości, nastroju, samopoczucia, nie natomiast wiedzy czy doświadczenia artystycznego.
Aktor jako medium rozpięty został pomiędzy dwoma biegunami, reżyserem i widzem, układ ten wyznacza przestrzeń sceniczną danego spektaklu.
Dla Solarka to podstawowa zasada definiowania miejsca reżyserowanego widowiska, choć nie do końca obojętna na charakter architektury miasta, konotacje historyczne, kulturowe czy religijne.
Zauważyć można, że są to elementy, które podle-gają weryfikacji dopiero podczas rozgrywania się spektaklu. Cennym jest więc doświadczenie wy-izolowania się z rozmaitych stereotypów, sche-matów, ograniczeń i utartych sentencji. Znaczenie zostaje nadane przez widza, konkretyzuje się w procesie odbioru samego dzieła, wszystko, co istnieje przed spektaklem, jest weryfikowane.
Solarek przywraca pierwotne znaczenie ludzkiemu ciału, podobnie czyniąc z przestrzenią. Seman-tyczne wyzerowanie wydaje się – jak pisze Lahmann, charakteryzując postdramatyczną scenę – odpowiedzią artystów na współczesne bombardowanie znaczeniami w życiu codzien-nym. Pozostaje pytanie, czy cel Teatru S to wizja świata wynikająca z konsekwencji ciągłego przyspieszenia w myśl, że w pewnym momencie przyspieszenia wszystko na około wydaje się zwalniać, czy raczej prostszego spojrzenia suge-rującego reakcję odwrotną, czyli naturalne, wsteczne spowolnienie egzystencji człowieka?
Pomocna może okazać się kwestia dyskursu sce-nicznego o charakterze snu, który Teatr S szcze-gólnie sobie upodobał. Senne obrazy wynikają zarówno z charakterystycznej spowolnionej dy-namiki, jak i atmosfery ezoteryczności. Możliwe, że sen jest wyidealizowany, zupełnie nie opiera się na systemach świata rzeczywistego, czas nie istnieje, nie przyspiesza i nie zwalnia, ruch jest kategorią czysto estetyczną, zależną od formułującej się przestrzeni. Dla widza to spotkanie wymaga przekroczenia pewnych barier, rezygnacji z rzeczywistości i doświadczenia swoistej komunii z tym światem. To jak po-czątkowa lekcja filozofowania czy medytacji, nauka dostrzegania ruchu w pozornym zatrzyma-niu i odwrotnie.
Spotkanie z teatrem Ireneusza Solarka wymaga krytycznego spojrzenia na własną zdolność percepcji, umiejętność odbioru sztuki wizualnej. Bariery nie stanowi wiedza techniczna, erudycyjność w dzie-dzinie malarstwa, rzeźby czy teatru, lecz dość wysoko zawieszona poprzeczka otwartości zmysłowej widza. By zrozumieć, trzeba poczuć, a nie wiedzieć. Przełamanie granicy między artystą a widzem jest konieczne, by mogli oni stwo-rzyć wspólną myśl, podjąć dialog. W przypadku Teatru S niemy dialog ciała, ale jakże bogaty dialog dusz.
Uczestnicząc w Projekcie 18 („Biblioteki w społeczeństwie wiedzy. Strategie dla przyszłości”), prowadzonym przez Fundację Rozwoju Spo-łeczeństwa Informacyjnego, brałem udział w wy-jeździe studyjnym do Norwegii, w tym do Oslo, ale i Sandefjord oraz do szeregu mniejszych miejsco-wości. W Norwegii obowiązują zasady, które warto przenieść na polski grunt. Czytelnik nie może mieć do biblioteki więcej niż dwa kilometry (tak mówi norweska ustawa biblioteczna), a książki może zwrócić w każdej, najbliżej się znajdującej bibliotece. Katalogi kartkowe stoją za szybą, w gablotach, jako eksponaty muzealne, a biblioteki to miejsce spotkań. Są otwarte.
Czytelnik/użyt-Als Teilnehmer am Projekt 18 („Bibliotheken in der Wissensgesellschaft. Strategien für die Zukunft”), das durch die Stiftung für die Entwicklung der Informationsgesellschaft durch-geführt wurde, war ich vor kurzem auf einer Exkursion in Norwegen, darunter in Oslo, aber auch in Sandefjord und mehreren anderen kleinen Orten. In Norwegen gelten Regeln, die es wert wären, auf den polnischen Boden übertragen zu werden. Der Leser sollte es nicht weiter als zwei Kilometer bis zur nächsten Bibliothek haben (so das neue norwegische Bibliothekengesetz), und die Bücher können in jeder Bibliothek zurück-gegeben werden. Die herkömmlichen Zettelka-Andrzej Buck
Wejdź
na szczyt!
Andrzej Buck