„C
orpus” w Zachęcie Narodowej Galerii Sztuki, przygotowany przez Marię Brewińską, to międzynarodowy projekt, prezentujący wybra-ne aspekty cielesności. Perspektywą teoretyczną, ideową projek-tu jest filozofia Jeana-Luca Nancy’ego, a przede wszystkim zaś jego poglądy zaprezentowane w książkach Corpus (1992) i Corpus II. Writings on Sexuality (2013). Związek zaprezentowanych prac z cielesną filozofią Nancy’ego jest swobodny, otwarty, ekspozycja nie próbą „zilustrowania” jej. Stanowi wła-sny, wewnętrzny świat, w którego centrum ogniskuje ciało – oczywistość, któracierpi, doznaje przyjemności, drży, by posłużyć się słowami patrona wystawy,
które mogłyby stanowić jej motto.
Maria Brewińska zbudowała wystawę z uniwersalnej perspektywy, przedstawiając cielesne istnienie w najbardziej rudymentarnych kon-tekstach: śmierci, choroby, niepełnosprawności, bólu, seksu, akcentując stany „krańcowe”, graniczne ciała, odwołując się poprzez nie do poczu-cia wspólnoty, do ludzkich, egzystencjalnych doświadczeń. Świadomie pominięte zostały ujęcia zabarwione społecznie i politycznie: sztuka ciała czy spojrzenie genderowe. Ekspozycja prezentuje realizacje wy-branych znaczących współczesnych artystów, od lat 70. do dziś, zarówno przedstawicieli międzynarodowej sceny, jak i polskich. Ujawnia ich twór-czość w kontekstach nie tak oczywistych, wydobywając aspekty nie zawsze „typowe”. Na wystawie mogliśmy oglądać prace prezentowane niedawno przy okazji innych projektów, jednak to nie nowość zdaje się być tej wy-stawy wyróżnikiem. Niektóre prace właśnie w cielesnej perspektywie
ukazują nieczytelne w innych układach sensy. „Corpus” odsłania wiele znaczeń – przede wszystkim – kieruje ku cielesnej materii, doświadcze-niu ciała, które za Nancym, pojmuje jako nierozłączną jedność ciała i du-szy. Corpus oznacza także, co nie jest już tak oczywiste, spis, wyliczenie, zestawienie, inwentarzowy charakter. Takie ujęcie cielesności rezonuje też w konstrukcji wystawy – traktuje o ciele, przedstawia ciała, ale jest także ciał inwentarzem. To drugie wyraźnie ujawnia się w geografii wy-stawy – trudno powiedzieć, że jest precyzyjnym układem z wyraźnymi wi-zualno-kontekstualnymi relacjami i dominantami, jest raczej swobodna, otwarta, o nielinearnej strukturze.
Jean-Luc Nancy, urodzony w 1940 roku, emerytowany profesor Uniwer-sytetu Marca Blocha w Strasburgu, zaliczany jest do nurtu dekonstrukcji. Jest autorem licznych książek i artykułów filozoficznych, które z grubsza podzielić można na dwa rodzaje: ściśle filozoficzne – rozprawy, komentarze do dzieł filozoficznych oraz publikacje o bardziej literackiej formie, do których zalicza się właśnie Corpus i Corpus II. Filozofię Nancy’ego często określa się jako „filo-zofię relacji” bądź „filo„filo-zofię zdarzenia”. Ten trop otwiera również interesującą perspektywę dla wystawy, którą można by nazwać „polem cielesnych relacji i zdarzeń”. W 1997 roku Nancy odwiedził Polskę z okazji przyznania mu tytułu doktora honoris causa Uniwersytetu Śląskiego. Filozofia ciała Nancy’ego jest dotykaniem cielesnego horyzontu, próbą opisania cielesnej „rzeczy samej”, tak długo pomijanej w filozofii Zachodu. Jego pisanie o ciele jest metaforyczne, su-gestywne, wielozmysłowe, autor próbuje bowiem także oddać cielesne jakości
…pozostał nam jedynie corpus anatomii, biologii oraz mechaniki
1
95
W Y D A R ZE N I A foRmAt 70 / 2014/15poprzez naturę języka. Literacki kunszt Corpusu spowodował nawet określenie go „największym poematem XX wieku”. To jednak nie poezja, nie uroda i sugestywność języka są celem cielesnego dyskursu, jest nim bowiem precyzyjna myśl będąca próbą zbliżenia się do fenomenu ciała: egzystencji, otwartości, ekspozycji, inności, dozna-wania, seksualności. Również sztuka jest ważnym obszarem refleksji Jeana-Luca Nancy’ego, który uważa, że żyjemy w czasie dominacji rzeczy, zaś domeną sztuki są „rzeczy”, zmysłowo percypowane obiekty. Dostrzega, że dzieła sztuki współ-czesnej sztuki pozostają ze sobą w nieustannym dialogu, istnieją w rzeczywisto-ści relacyjnej. Filozof sam także podejmuje się działań twórczych, jak realizowane od 2006 roku, w sieci, wspólnie z Pierem Giorgiem de Pinto „58 indeksów na ciele”. Namiastką obecności Nancy’ego na wystawie były jego aforyzmy, wybrane fragmen-ty tekstów przemykające na wyświetlaczu umieszczonym nad wejściem na wystawę. Z materii „Corpusu” – ekspozycji wyłuskać można kilka cielesnych motywów, tropów, wzajemnie przenikających się w geografii wystawy, są to przede wszystkim śmierć, rana, dotyk, także ten o seksualnym zabarwieniu.
Nieruchomość, stężenie, ostateczna martwota: śmiertelność ciała to jeden z waż-niejszych tematów wystawy, którego dotykamy już u progu wystawy. Wideo-malar-ska instalacja Dominika Lejmana, akrylowy obraz z projekcją wideo, Status (Godzina
z timecodem) z 2005 roku, odwołuje się do Martwego Chrystusa Andrei Mantegni:
zarejestrowane, nieruchome ciało zmarłego mężczyzny ułożone, jak w renesanso-wym obrazie, projektowane jest na płaszczyznę płótna. Zderzenie nieruchomego ciała i timecode’u umieszczonego u dołu obrazu, beznamiętnie liczącego upływającą godzinę, stawia nas wobec nieuchronnego. W Statusie życie znieruchomiałe jest po-dwójnie: jako cielesna „martwa natura” i pozorny ruch video. Odwołanie do obrazu Mantegni stwarza jeszcze jeden, pośredni, kontekst – zmarły Chrystus nawiązuje do Nietzscheańskiej śmierci Boga, który to fakt Nancy interpretuje w „Corpusie” w kon-tekście cielesności: (…) określenie, że „Bóg umarł” oznacza tyle, że nie ma już ciała.
Świat przestał być uprzestrzennieniem Boga, a stał się światem ciał. Niewykluczone, że wraz z ciałem Boga zamknęły się wszystkie wejścia wszystkich ciał, wszystkie idee, obrazy, prawdy, interpretacje ciał – tak że pozostał nam jedynie corpus anatomii, biologii oraz mechaniki. Trudno nie odnaleźć śladu tej refleksji w sztuce najnowszej.
Dopełnieniem pracy Dominika Lejmana jest fotografia Hannah Wilke Tak mi
dopo-móż, Hannah (1987). Formalnie zbliżona, będąca jakby lustrzanym odbiciem Statusu:
przedstawia leżącą, rozebraną, żywą kobietę, widzianą od głowy w kierunku stóp. Umieszczenie ciała w ciasnym, zamkniętym pomieszczeniu wzmaga napięcie, dra-matyzuje niepokojącą sytuację. Inne realizacje interpretują śmierć w perspektywie znanej z historii sztuki symbolicznej figury tańca śmierci. Z tym typem ikonogra-ficznym podejmuje dialog Marina Abramovič w wideo Akt ze szkieletem (2005), włą-czając w dyskurs śmierci dotyk miłości. Nagie ciało artystki w objęciu szkiele-tu przywołuje miłosny splot Erosa i Thanatosa. W realizacji, w jej formie, zwraca uwagę pewien rys klasyczny – piękno aktu dojrzałego ciała kobiecego, spokojny, wyważony, czysty kadr. Bar-dziej dosłowną i jednoznaczną inter-pretację danse macabre, odwołującą się do średniowiecznych i popularnych lu-dowych przedstawień, prezentują foto-grafie Brigit Jürgenssen, niewielki wy-bór prac z większej serii „Bez tytułu” (z serii „Taniec śmierci z dziewczyną”), z lat 1979-1980, zapis maskarady w ko-stiumie śmierci.
Motyw ciała poddanego zewnętrz-nym ingerencjom, cieleszewnętrz-nym „zapi-som” – ranieniom, nacięciom jest silnie obecny w Zachęcie. „Corpus”, to wy-stawa bolesna, ekspozycja „stanów 1. Magdalena Moskwa, Bez tytułu,
nr 79, 2014, relief w zaprawie kredowej, olej, deska, dzięki uprzejmości artystki
2. sarah lucas, Panoramadrama, 2011, instalacja, dzięki uprzejmo-ści Sadie Colse HQ, Londyn 3. Alina szapocznikow, Popiersie bez głowy, 1968, poliester, poli-uretan, 46 x 64 x 73 cm, kolekcja Zachęty, narodowej Galerii Sztuki; w tle – Betty Tompkins, Sex Paintings, 2013, akryl na płótnie, dzięki uprzejmości Galerie Rodolphe Janssen, Bruksela Fot. 1-3 Marek Krzyżanek, dzięki uprzejmości Zachęty Narodowej Galerii Sztuki
3
96
W Y D A R Z E N IA granicznych”. Porno-grafia: obnażone ciało naznaczone stygmatami, zranieniami,
skaleczeniami, owrzodzeniami powstałymi w czasie pracy lub odpoczynku, przez głupotę, poniżenie, złe odżywianie, razy, strach bez opatrunków, bez blizn, rana nigdy nie zagojona – pisze przejmująco Jean-Luc Nancy w Corpusie. Cielesnego
pisania dotyczy fotografia Valie Export Body Sign Action z 1970 roku, przedstawiająca artystkę z tatuażem podwiązki, jaki wykonała na swoim udzie. Tatuaż stanowi rów-nież osnowę realizacji Santiago Serry, akcji artysty 250 metrowa linia wytatuowana
na sześciu opłaconych osobach, wykonanej w 1990 roku. Innego rodzaju cielesnej
ingerencji dotyczy tryptyk fotograficzny „dezertera konceptualizmu”, narciarza Marka Koniecznego Sepia – Apres ski z 1992 roku. Nagie, posiniaczone ciało auto-ra w swoim układzie ciała przywołuje rzeźbę antycznego Dyskobola. Pauto-raca wielo-znaczna, zapis przeciwieństw: fizycznego bólu i obrażeń ciała, dokumentacja urazu, jak i fotograficzna inscenizacja. Bolesnego żłobienia ciała dokonuje Sigalit Landau, kręcąc w talii hula-hop zrobionym z drutu
kolcza-stego na izraelskiej plaży (Kolczaste hula-hop, 2000). Ranienie ciała, zadawanie bólu, autoagresyjne zwró-cenie się przeciw sobie jest tu politycznym gestem, protestem wobec konfliktu izraelsko-palestyńskiego. Wyjątkowe poranienia przedstawiają najnowsze ob-razy Magdaleny Moskwy. Ich skórna powłoka, oddana niezwykle werystycznie, z siatką żył, cienkich naczyń krwionośnych, z idealną cielesną karnacją, jest zra-niona lub otwarta, ciągłość delikatnej membrany – przerwana. Otwory w obrazach są niczym oczy, które odmykają malarską strukturę, patrzą „chwytającym” spojrzeniem, by „wciągnąć” w głąb siebie, pochłonąć. Można też powiedzieć, że są metaforami cielesnego istnienia, wskazują bowiem, iż ciała mają miejsca, że ich byt sytuuje się na granicy. Taka jest ontologicz-na właściwość ontologicz-naszych ciał – „graniczontologicz-na”, nieciągła.
„Skórny kontekst” prowadzi nas ku kolejnemu tropowi wystawy – dotykowi, a także ku związanej z nim seksualności. Sensualne i haptyczne jest pisanie Jeana-Luca Nancy’ego: słowa niemal pieszczą myśli, dotykają sensu i odwołują się do zmysłowej natury ciała. Taktylny charakter myśli filozofa znajduje od-zwierciedlenie na wystawie – figura dotyku jest jej przewodnikiem. Większość prac ma haptyczną na-turę lub w sposób bardzo bezpośredni odwołuje się do zmysłu dotyku, wskazuje jego możliwe rejestry.
Ekspozycję przenikają wieloznaczne metafory dotyku: od dotkli-wego malarstwa Magdaleny Moskwy, poprzez rzeźby Aliny Sza-pocznikow, po gest bardzo umowny, jak chociażby w rentgenow-skich zdjęciach dłoni Barbary Hammer. Haptyczne malarstwo Magdaleny Moskwy, o iluzyjnie oddanej skórnej powierzchni, przestrzenne i reliefowe, dotyczy dotkliwości niemal fizycznie odczuwalnej. Trudno powściągnąć chęć dotknięcia ich gładkiej powłoki. Z kolei rzeźby Aliny Szapocznikow (0Popiersie bez
gło-wy i Zwarta, obie z 1968 r.) są dotykalne niejako podwójnie: z
jed-nej strony przestawiają najbardziej haptyczne części kobiecego ciała – brzuch i pier-si, z drugiej zaś będąc obiektami rzeźbiarskimi bezpośrednio związane są z pracą dotyku. Więcej nawet – noszą namacalny ślad ciała artystki, są jego odbiciem i, mimo wykonania z syntetycznego, chłodnego materiału, zdają się zachowywać aurę ciała i ciepłego gestu. Na wystawie mamy też bolesny dotyk Any Mendiety kreślą-cy krwisty ślad ciała, zapis działania artystki (Ślady ciała (Znak krwi nr 2), 1974). Dotknięcie dłoni pojawia się w„Obrzędach intymnych Zbigniewa Libery, zarówno jako nie do końca świadomy dotyk odchodzącego ciała, jak i dotyk pielęgnujące-go je autora. Jest też dotknięcie podszyte ironią i humorem, działanie z pograni-cza performace – w pracy Adama Rzepeckiego dedykowanej Markowi Janiakowi, „poddającej w dyskusję” fotomedialne strategie wizualne. To fotograficzne tableau stanowi rejestr możliwych działań wobec ciała, możliwych dotykań o erotycznej konotacji: uściśnięć, zmiażdżeń, pieszczot, spętań, niepozbawione humoru studium aspektów „męskiej sztuki” miłości. Ciało i skóra znajduje odzwierciedlenie w malar-stwie Betty Tompkins, przedstawiającym powiększenia fragmentów seksualnych organów płciowych, miłosnych zbliżeń, intymnych dotyków, zwiększonych tak, by
temat nadal pozostał czytelny, by nie stał się abstrakcją. Artystka posługiwała się przy malowaniu obrazów fotografią, co latach 60. było nie tak oczywiste. „Sztuka ciał” Betty Tompkins to sztuka seksualności ciał. Seks (…) to „się-dotykanie – skóry, by posłużyć się cytatem z Nancy’ego. Seksualności, choć ujętej chłodno- konceptu-alnie, dotyczą również fotografie Duane’a Michalsa, przestawiające Najpiękniejszą
część ciała kobiety i jej parę – Najpiękniejszą część ciała mężczyzny, czyli idealne
kobiece i męskie torsy. Dla Fredrikie Petzold piersi to językowy system, zbiór moż-liwych cielesnych, dość gwałtownych operacji (Bust werk, 1973). Dla Sarah Lucas natomiast dotykanie ciała to naznaczony ironią proces dekompozycji
(Panorama-drama, 2011). W przestrzeni skóry, dotyku i seksualności sytuuje się także wideofresk
Vanessy Beecroft, VB 55 (2005), którego barwnym lejtmotiwem jest skórna tonacja. Praca jest zapisem jednej z akcji artystki, szczególnego rodzaju performance’u zreali-zowanego przez nią z grupą stu kobiet w Neue Nationalgalerie w Berlinie. To rejestr
ciał, możliwych cielistych karnacji, o różnych od-cieniach, choć ciała nie są zupełnie nagie – ubrane są w cieliste, przezroczyste, „postępujące” za skó-rą rajstopy. To nie malarstwo, ale monumentalność, spokojne kompozycje kadrów i plastyczność ujęcia z zdradzają malarskie pokrewieństwo. To ekspo-zycja ciał wydanych na nasze spojrzenia, lecz jed-nocześnie – pozostających we własnej intymności i indywidualności, skierowanych ku sobie.
„Corpus” jest niewątpliwe wystawą inspirują-cą, wyzwaniem intelektualnym i wizualnym: wiele kontekstów, relacji, odniesień. Jest to także eks-pozycja, która pozostawia niedosyt. Brakowało mi w niej spojrzenia na ciało jako „osobisty wehi-kuł”, łączący harmonijnie fizyczność z duchowo-ścią, emocjami i percepcją. Dotkliwie nieobecne są też bardziej pozytywne aspekty cielesnego istnienia: przyjemność, dobrostan, empatia, sub-telność odczuć i reakcji ciała.
Mimo odważnego, i ważnego, odwołania do filozofii Jeana – Luca Nancy’ego i dążenia do neu-tralności w podjęciu tematu, można odnieść wra-żenie, że „Corpus” podąża za dominującym od lat 90. w prezentacji cielesności spojrzeniu eksplo-atującym brutalność, cierpienie, przesadny na-turalizm. Wydaje się, że nad wystawą kładzie się cień Antyciał Roberta Rumasa czy „Drżących ciał” Artura Żmijewskiego. Przyznać jednak należy, że „Corpus”, choć nieśmiało, podejmuje próbę przekroczenia tego paradygmatu, przede wszystkim poprzez perspektywę filozoficzną, ujęcie hi-storyczne i silnie akcentowany międzynarodowy kontekst. Jest klasyka cielesnej sztuki – Alina Szapocznikow, Marina Abramowič, Valie Export, Ana Mendieta, przedstawiciele konceptualizmu – Duane Michals czy Federike Pezold oraz współczesne gwiazdy, jak Sarah Lucas. Kilka propozycji jest rzeczywiście świeżych – przede wszystkim malarstwo Magdaleny Moskwy, czy tych ujawniających nowe sensy, jak fotografie Marka Koniecznego. Są też zaskakujące fikcje, jak film Jacka Malinowskiego HalfWoman, dyskutujący z naszą ekscytacją cierpieniem i chorobą. Taka szeroka perspektywa niesie jednak pewne ogranicze-nia: część z zaprezentowanych prac pamiętamy z niedawnych wystaw.
Dotkliwy jest również brak katalogu wystawy lub choćby obszerniejszego ku-ratorskiego tekstu czy komentarza precyzyjniej przybliżającego ideę projektu oraz sylwetki twórców i kontekst prac. Pewną pociechą był program edukacyjny, obej-mujący między innymi spotkania ze współczesnymi filozofami, pozwalające poznać myśl Jeana-Luca Nancy’ego i z tej perspektyw doświadczać wystawy.
„Corpus” to wystawa, którą trzeba było zobaczyć, a nawet więcej – należało jej doświadczyć cieleśnie, parafrazując słowa francuskiego filozofa – pisać o niej i oglądać ją z otwartymi ustami, opus – corpus. n
„Corpus”
Kuratorka: Maria Brewińska
Zachęta Narodowa Galeria Sztuki, 2 września – 19 października 2014 r.
Powyżej: sarah lucas, Loungers #2, 2011, instalacja, dzięki uprzejmości artystki i Sadie Coles HQ, Londyn Fot. Marek Krzyżanek, dzięki uprzejmości Zachęty Narodowej Galerii Sztuki